Whitney Elizabeth Houston (Newark, 9 de agosto de 1963 – Los Ángeles, 11 de febrero de 2012) fue una cantante estadounidense de R&B, pop y gospel, aunque también destacó como actriz, compositora, productora, empresaria y modelo.

Conocida como «The voice» («La voz») debido a su calidad vocal, Whitney llegó a la fama en 1985 con su álbum Whitney Houston, el cual vendió 30 millones de copias, y se convirtió en álbum debut con mayor venta por una intérprete femenina. En 1987 lanzó su segundo álbum de estudio el cual se convirtió en el primer álbum de una artista femenina en debutar en el número uno de los Billboard 200.

Houston es, hasta la fecha, la artista más galardonada de todos los tiempos, de acuerdo con Guinness World Records, con dos premios Emmy, seis premios Grammy, 30 premios Billboard Music Awards, 22 American Music Awards, entre otros, con un total de 415 premios en su carrera. Ha vendido más de 150 millones de discos2 y su carrera ha influenciado en la de varios otros artistas, como Christina Aguilera, Céline Dion, Alicia Keys, Britney Spears, Nelly Furtado y otros cantantes de música R&B. En 2001 firmó el contrato con el salario más alto de la historia, por 140 millones de dólares con la discográfica Arista y, en el año 2004, la banda sonora The Bodyguard entró en el puesto número 3 de los 100 álbumes más vendidos de todos los tiempos (con un promedio de 48 millones de copias).

Biografía

A la edad de once años, comenzó a formarse como vocalista en el coro gospel infantil de la iglesia “New Hope Baptist” de Newark, New Jersey, y, más tarde, acompañaría a su madre en los conciertos. Aunque de religión bautista, estudió en un instituto de secundaria católico. Después de aparecer en el álbum de 1978 de su madre, Think It Over, empezó a hacerle los coros a otros intérpretes reconocidos, tales como Chaka Khan, Jermaine Jackson, y Lou Rawls. A los 16 años, le ofrecieron ser la voz principal en el sencillo de la banda de Michael Zager, “Life’s a Party” en 1978. A principios de los ochenta, empezó a aparecer en varias revistas como modelo (saliendo, incluso, en alguna portada). En 1982, hizo su primera grabación como cantante con el conjunto de Jazz-Funk “Material”. La canción se titulaba “Memories” y fue incluida en el álbum del grupo One Down.

1983–1991: Los primeros años de carrera musical y Salto a la Fama

Whitney cantando el himno nacional de Estados Unidos

Le ofrecieron un contrato de grabación con Arista Records en 1983, poco después de que el fundador de la compañía, Clive Davis, escuchara su actuación en el club neoyorquino Mikell’s con su madre.3 Inmediatamente el proceso de realización de su primer álbum se puso en marcha. En 1984, tuvo su primer éxito comercial con “Hold Me”, un dueto con Teddy Pendergrass (el cual fue incluido en el álbum del cantante, “Love Language” y, después, en su primer álbum). El sencillo, alcanzó el puesto 50 en la lista de éxitos pop de Estados Unidos y el top 5 en la lista de éxitos de R&B. Caso idéntico fue el de Take Good Care of My Heart, balada R&B, también de 1984, dueto que apareció en el L.P. Jermaine de Jermaine Jackson y, en 1985, en su álbum debut. Durante ese tiempo, decidió presentarse a una prueba para el papel de Sondra Huxtable en “The Cosby Show” (el cual perdió frente a Sabrina Le Beauf) y apareció como estrella invitada en programas como “Gimme a Break” y “Silver Spoons”.

Debutó en 1985 con Whitney Houston, a los 22 años. Su subida en las listas de ventas, fue promovida por el éxito de sus sencillos; como “You Give Good Love” con el que consiguió la posición número 3, mientras que “Saving All My Love For You”, “How Will I Know” y “Greatest Love Of All” fueron todos ellos números uno. En marzo de 1986, Whitney Houston alcanzó el primer lugar de las listas de ventas de discos. El álbum vendió cerca de 28 millones de copias en todo el mundo (13 millones de copias vendidas sólo en Estados Unidos). El resto del año 1986 se embarcó en la gira “The Greatest Love Tour”.

Lanzado en junio de 1987, Whitney llegó a ser el primer álbum de una artista femenina en debutar en el puesto número 1 en USA. El primer sencillo, “I Wanna Dance with Somebody” (originalmente titulado “I’m Gonna Dance With Somebody” en su gira de 1986) subió directo al número uno, junto con los sencillos “Didn’t We Almost Have It All”, “So Emotional” y “Where Do Broken Hearts Go”. Con ello, logró un total de 7 número 1 consecutivos en los Estados Unidos, superando el récord previo de 6 número 1 consecutivos compartido por Los Beatles y los Bee Gees. Con el sencillo “One Moment In Time”, conseguió el número 1 en Inglaterra en 1988, además de un nuevo top 5 en su país natal y un clásico internacional.

El tercer disco de su carrera, I’m Your Baby Tonight, fue lanzado en noviembre de 1990, consiguiendo llegar al puesto número 3 en la lista de ventas de la revista estadounidense Billboard. Los primeros dos sencillos; “I’m Your Baby Tonight” y “All The Man That I Need” fueron números 1 en los Estados Unidos, proporcionándole un total de nueve números 1 en este punto de su carrera. Dos canciones más se añadieron a su colección de sencillos, “Miracle” y “My Name Is Not Susan”, logrando el número 9 y el número 20 respectivamente. Otra canción del álbum, “I Belong To You” también alcanzó repercusión en emisoras urbanas a lo largo del país y subió al número 10 en las listas de R&B. El álbum vendió 14 millones de copias mundialmente, 4 millones de ellas en los Estados Unidos. Como siempre después de un lanzamiento de disco, puso en marcha la gira mundial “I’m Your Baby Tonight”. El álbum consiguió 4 “Premios de la Música Billboard” en la ceremonia de 1991.

En enero de 1991, cantó el himno nacional de Estados Unidos, “The Star Spangled Banner”, en la Super Bowl nº XXV (la final de fútbol americano) celebrada en Tampa (Florida). Esta interpretación fue posteriormente grabada como sencillo debido a la demanda popular, alcanzando el número 20 en los Estados Unidos, siendo la única versión del himno americano que consigue ser un éxito de ventas, obteniendo el disco de platino. El sencillo también ayudó a recaudar fondos para la Cruz Roja Americana en beneficio de los Veteranos de la Guerra del Golfo y sus familias.

En 1989 crea su propia fundación, “Whitney Houston Foundation For Children”, la cual se ocupa de ayudar a numerosos niños con problemas de falta de hogar, además de ayudar a niños enfermos de cáncer.

En 1992 hizo su primera incursión en el cine junto a Kevin Costner en la película El guardaespaldas. Whitney grabó 6 nuevas canciones para la banda sonora, incluyendo una versión del tema de Dolly Parton “I Will Always Love You” con la que rompió todas las expectativas. Lanzado como sencillo en noviembre, fue su décimo número uno en Estados Unidos llegando a ser el sencillo más vendido de 1992 en el Reino Unido y Estados Unidos, manteniéndose 10 semanas y 14 semanas respectivamente en ese puesto. Con el tiempo se llegó a convertir en uno de los sencillos más vendidos de la historia. El álbum también incluye “I Have Nothing”, escrito por David Foster y Linda Thompson. “I Have Nothing” llegó a ser un súper en ventas en 1993, y fue nominada como mejor canción para los Premios Oscar. Le siguieron más sencillos exitosos: una versión del “I’m Every Woman” de Chaka Khan, “Run To You” (que también recibiría una nominación para los Premios Oscar a la mejor canción) y “Queen Of The Night”, la cual fue coescrita por la propia Whitney. El álbum vendió 43 millones de copias en todo el mundo en su primer año y más de 48 millones hasta ahora, convirtiéndola en la banda sonora más vendida en la historia de la música.

El 18 de julio de 1992, Whitney se casó con el cantante Bobby Brown en su estado natal de New Jersey. En marzo de 1993, Whitney dio a luz a una niña, llamada Bobbi Kristina, a la cual se le puede escuchar junto a su madre en la canción “My Love Is Your Love”, en “Little Drummer Boy” del álbum One Wish – The Holiday Album y en el tema “Family Comes First”, perteneciente a la banda sonora de la película Daddy’s Little Girls.

En el año 1998 grabó un dueto con Mariah Carey en un estudio de Nueva York, las dos divas cantaron por primera vez juntas una canción titulada “When You Believe” incluida en la banda sonora de la película de animación “El príncipe de Egipto”, la cual narra la vida de Moisés. La canción fue lanzada en noviembre y ganó el Premio Oscar a la mejor canción en marzo de 1999.

Después de una larga espera de 8 años que incluyó una serie de giras internacionales, Whitney volvió al estudio para lanzar su primer álbum que no era banda sonora, “My Love Is Your Love”. El álbum consiguió vender cerca de 10 millones de copias en todo el mundo, e hizo ganar a Whitney su sexto Grammy (Best Female R&B Vocal Performance) por el single “It’s Not Right But It’s Okay” en febrero de 2000. Tres fueron los principales singles; “Heartbreak Hotel” – que incluía las voces de Kelly Price y Faith Evans – y que llegó al #2 del Hot 100 de Billboard y al #1 de la lista R&B, mientras que los dos siguientes singles, “It’s Not Right But It’s Okay” y “My Love Is Your Love”, se convirtieron en sendos Top 5 en América y en conocidos éxitos a nivel internacional.

“My Love Is Your Love” fue seguido de inmediato con el lanzamiento de “Whitney: The Greatest Hits” en mayo de 2000. El doble álbum, que incluye los éxitos de Whitney, así como remixes y algunas rarezas, ha vendido diez millones de copias por todo el mundo hasta la fecha. Además de los clásicos singles de su – en aquel entonces – carrera de 15 años, incluyó cuatro temas nuevos. “If I Told You That” a dúo con George Michael y “Could I Have This Kiss Forever” a dúo con Enrique Iglesias, servirían para promocionar el trabajo y se convertirían en sendos Top 10 en Inglaterra, país donde el álbum logró el número 1 en la lista de ventas.

A continuación Whitney produjo dos nuevos trabajos para Disney en 2003: la película para la televisión “The Cheetah Girls” (protagonizada por Raven-Symone) y “The Princess Diaries 2: Royal Engagement”. En noviembre de 2003, vio la luz su sexto proyecto de estudio, un álbum navideño titulado “One Wish: The Holiday Album”. El álbum consistía en canciones clásicas de la Navidad como “The First Noel”, “Deck The Halls/Silent Night”, “Little Drummer Boy” (junto a su hija Bobbi Kristina), y un remake de la canción de Freddie Jackson “One Wish”. Obtuvo el disco de oro en los Estados Unidos.

En septiembre de 2006 la carrera y la vida de Whitney da cara a la opinión pública con un giro radical. Después de especulaciones y noticias falsas sobre su recaída en las drogas, Whitney reaparece junto a Clive Davis, radiante y visiblemente muy recuperada en los ELLA; los rumores cesaron y la prensa volvió a mostrar buenas maneras hacia la artista. Los representantes de la artista confirmaron la separación del matrimonio Houston-Brown que posteriormente concluyó en divorcio.Clive Davis afirmó que Whitney iniciaría la grabación de un nuevo disco.

Finalmente el nuevo disco, titulado “I look to you” sale a la venta el 1 de septiembre de 2009.

Las canciones que integran I Look To You han sido favorablemente reseñadas, teniendo a “Million Dollar Bill” como Top Ten en casi todos los mercados europeos con presentaciones en la televisión francesa, alemana, inglesa e italiana. Este single alcanzó el Nº1 del Billboard US Dance chart demostrando su vigencia en el mercado musical actual.

Houston fue galardonada en los American Music Awards donde también interpretó “I didn’t know my own strenght”.

Para este mismo año 2009, la cantante inició su gira mundial llamada “Nothing but love Tour” en Moscú, la cual concluyó en Finlandia en junio de 2010.

El 11 de febrero de 2012 Whitney fallece a la edad de 48 años en un hotel de Beverly Hills (Los Ángeles) por causas desconocida.

Que podemos decir de esta excelente cantante que ya no se halla dicho?? no es por nada se había ganado el apodo de “LA VOZ”. Es mas, mi primer cd, regalo de cumpleaños en 1992 fue el del soundtrack de la película EL GUARDAESPALDAS, es cómico, mi cuñado me regala el cd Y EN CASA NO TENÍAMOS A DONDE PONERLO jajajajjaja entre mi hermana Lorena y mi papa me regalaron un Diskman Phillips (que todavia funciona), y aunque el cd esta llevadito de vez en cuando lo escucho, este lo compre en cuanto vi el comercial en Venevisión y lo cuido con un recelo tremendo, ya que para la época fue (después del History de Michael Jackson) uno de los cd’s mas costosos que se conseguía en las disco tiendas de por aquí.

Bueno, mientras las autoridades investigan como y el porque falleció Whitney, disfrutemos lo mejor de su música…!!!

Información Extraída de:

http://es.wikipedia.org/wiki/Whitney_Houston

Disco I (COOL DOWN):

01. You Give Good Love
02. Saving All My Love For You
03. Greatest Love Of All
04. All At Once
05. If You Say My Eyes Are Beautiful (Duet With Jermaine Jackson)
06. Didn’t We Almost Have It All
07. Where Do Broken Hearts Go
08. All The Man That I Need
09. Run To You
10. I Have Nothing
11. I Will Always Love You
12. Exhale (Shoop Shoop)
13. Why Does It Hurt So Bad
14. I Believe In You And Me
15. Heartbreak Hotel (Featuring Faith Evans & Kelly Price)
16. My Love Is Your Love
17. Same Script, Different Cast (Duet With Deborah Cox)
18. Could I Have This Kiss Forever (Duet With Enrique Iglesias) (Metro Mix)

Disco II (THROW DOWN)

01. Fine
02. If I Told You That (Whitney Houston & George Michael)
03. It’s Not Right But It’s Okay [Thunderpuss Mix]
04. My Love Is Your Love [Jonathan Peters Mix]
05. Heartbreak Hotel (Featuring Faith Evans & Kelly Price) [Hex Hector Mix]
06. I Learned From The Best [HQ2 Mix]
07. Step By Step [Junior Vasquez Mix]
08. I’m Every Woman [Clivilles And Cole Mix]
09. Queen Of The Night [CJ MacKintosh Mix]
10. I Will Always Love You [Hex Hector Mix]
11. Love Will Save The Day [Jellybean And David Morales Mix]
12. I’m Your Baby Tonight [Dronez Mix]
13. So Emotional [David Morales Mix]
14. I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me) [Junior Vasquez Mix]
15. How Will I Know [Junior Vasquez Mix]
16. Greatest Love Of All [Junior Vasquez Mix]
17. One Moment In Time
18. The Star Spangled Banner (Performed Live 1-27-91 At Super Bowl Xxv)

Biografía:
JUAN CARLOS ADRIANZA NAVA Nace en la ciudad de Cabimas, estudió en la Unidad Educativa Maestro Vicente Rojas y en 2001 en la Universidad Cecilio Acosta. Su carrera televisiva comenzó en febrero del 2004, en el canal Venevisión. Su última y más destacada actuación fue en el programa de televisión ¡A que te ríes! en el segmento de Los Fabulosos y en Los Pineros.

Programas

Atómico
Gente Nueva
Super Cómico Sensacional
¡A que te ríes!

Telenovelas

Gato Tuerto
Si me miran tus Ojos

Frases Representativas

Interpretando al Fabuloso.

- ¡Tiene la Semilla!

- ¡Fabu-Fabo Loso-Loso,Pausa,Soñado!

- ¡Ya siento el vaporon!

Interpretando al Tukky Jefferson

- ¡Diooooos Los Bendigaaaaa!

- Pa pa pa paaaaa!!!

Fallecimiento

El actor y humorista venezolano, falleció en la noche del 2 de diciembre de 2011, en un accidente de tránsito vía Calabozo – Dos Caminos. En el suceso también perdió la vida su asistente y periodista que acompañaba al grupo María Gabriela Rengifo. Adrianza se trasladaba junto a un grupo de compañeros (entre ellos el actor Juan Carlos Dávila), cuando la camioneta Ecosport (donde se trasladaban,) chocó de lado con una gandola. En el suceso sólo sobrevivió Dávila.

Muchos de sus amigos y compañeros actores expresaron su dolor vía la red social Twitter, recordándolo como una persona carismática con mucho talento y que indudablemente dejó una huella en la televisión venezolana. En pocos momentos se convirtió en el tema del momento nombrándolo y haciendo memoria de su genial actuación en el programa para el cual trabajaba.

PRIMER CONCIERTO

LUGAR: CONCHA ACÚSTICA DE CABIMAS

SEGUNDO CONCIERTO

LUGAR: TARIMA EN MAKRO CABIMAS (1er aniversario del Local)

Ustedes Se preguntaran… ¿COMO CONSEGUIMOS ESTAS FOTOS Y ESTOS TEMAS? muy sencillo, Juan Carlos Adrianza era el mejor amigo de mi sobrina LUCIANA, ella hizo la sesión de fotos de donde salió la carátula del DEMO una noche en la Vereda del Lago en Maracaibo, y a mi me toco el honor de diseñarla, ella estuvo con ellos en todos los conciertos promocionales mientras le llegaba la oportunidad con Venevisión, cuando le gano en el CÓMICO SENSACIONAL al hijo de Honorio Torrealba lo celebramos como si hubiera sido un familiar cercano, todos los diciembres, después del cañonazo o en la madrugada del 25 me tocaba llevarla a la casa de sus padres en el Sector “Los Laureles” aquí en Cabimas, y después buscarla, que no era nada cercano a donde vivimos, llego a estar en mi casa infinidad de veces, la ultima vez que lo vi en persona fue en diciembre del año antepasado que estuvo un buen rato aquí, en mi cuarto “sacándome la piedra” mientras le reparaba la computadora a su hermana; en conclusión, es como si se me hubiera muerto un “sobrino postizo”.

Cuando me entere ayer de la noticia, pare todo lo que estaba haciendo, se me fueron los ánimos al suelo y he tenido un “torosón” en la garganta que no se como desahogarlo, yo lo vi correr, dar carreras, sudar, sacrificarse como nadie para llegar a donde llego y que se le cortara la vida tan rápido, aun no salgo de la impresión…

Una anécdota que tengo de él, que casualidad es de esa ultima vez que vino, fue que le puse estos temas que gracias a dios tenia bien resguardados, ya que era en mi computador a donde se quemaban los cd’s que usaban para cantar con “pista” en los diferentes eventos a donde iban a presentarse, ese muchacho se iba a morir de la risa, cuando vio las fotos y después cuando escucho los temas, le pregunte si me daba permiso de montarlos en la pagina y su respuesta fue CHACHA ¿ESTAIS LOCA??? QUE VAS HACER CON ESO EN INTERNET?? y después exploto a la carcajada, así, que decidí guardarlo para otra ocasión, jamas pensé que publicaría su primer “intento” de ser reconocido por su gran talento como un homenaje por su repentina partida.

Juan: a donde quiera que estés, tu familia y amigos mas cercanos te extrañaremos tremendamente!!!.

El Contenido del disco es el siguiente:

1. El Cine
2. No hay marcha en Nueva York
3. Mujer contra mujer
4. Los amantes
5. La fuerza del detino
6. Quedate en Madrid
7. Laika
8. El Blues del Esclavo
9. “Eungenio” Salvador Dali
10. Por la cara
11. Un año mas
12. Heroes de la Antartida
13. Hermano Sol, Hermana Luna
14. Fabula

Este disco tenia tiempo que lo había montado al servidor pero por tenerlo en “cola” no lo había posteado, para mi, es el mejor disco de Mecano, el que más escucho y decido montarlo como regalo de cumpleaños para el amigo JAIROB que hace ya 2 días cumplió pero, estuve tan re-contra ocupada y cansada con el trabajo (gracias a dios), que no había podido ni siquiera entrar al blog. Este fue uno de mis primeros cd’s comprados por Internet a finales de los 90′s cuando salio al mercado lo llegue a tener prestado en Lp, peeeerooo… lo devolví, después lo compre en cassette original y junto con el de “Dangerous” de Michael Jackson me los robaron del carro de mi hermana en Maracaibo (incluyendo reproductor, gato, caucho de repuesto y caja de herramientas jajajajajjaja), solo me quedaron los estuches de recuerdo.

No se porque el autor de los temas como que agarro una revista de National Geographics (en esa época no existía el canal Discovery – al menos no en español – ni mucho menos el canal NATGEO), y de ciertos puntos de la historia tomo temas y los convirtio en canciones que son las que más me gustan del disco como lo son LAIKA, HEROES DE LA ANTARTIDA y mi favorita del disco EL BLUES DEL ESCLAVO.

Jairo sorry por el retraso, pero aquí te dejo mi tradicional regalo de cumpleaños!!!

Para los demás, como siempre digo DISFRUTENLO!!!

Todo lo que grabaron en aquel tiempo fue un hit, con éxitos como: “Aun Paso Por Tu Casa”, “Será”, “Ya no me río de la Soledad”, “Oh, no te quiero olvidar”, entre otras. Estuvieron en el top de la popularidad y con el tiempo se esfumaron. Separaron sus vidas musicales y cada uno por separado triunfó detrás de los escenarios y fuera del terruño.

Aunque aún suenan en las emisoras de Latinoamérica las canciones de Juan Carlos junto a Fernando, su evolución musical ha sido notoria. Componiendo canciones para “Guillermo Dávila”, “Karina”, “Ricardo Montaner” y artistas internacionales como Marc Anthony y la canción “La Negra Tiene Tumbao” para Celia Cruz.  No en vano las más de 80 canciones de su autoría en interpretación de los ya mencionados artistas, se resumen en 7 millones de álbumes vendidos y que incluye la producción del primer álbum de su eterno amigo y excelente compositor Fernando Osorio. 1992 marcó el final de esa asociación musical que nunca fue en detrimento del mutuo respeto que entre ambos existe personal y profesionalmente.

Es curioso como conocí las canciones de este grandioso dueto, fue gracias a mi hermana que a principio de los 90’s ella tenía la costumbre de grabar en cassettes canciones que transmitían por radio, generalmente le quedaban mal grabados jajaja, omitiéndoles el final o el principio de cada canción respectivamente, muchas de estas canciones nunca supe el nombre o el artista. Cuando comencé a comprar discos de vinil usados para aumentar mi colección pude adquirir las dos producciones de Fernando y Juan Carlos, fue fantástico volver a escuchar esas canciones me que trajeron tantos viejos recuerdos.

Fuente Información extraída de la página: http://enlasdosorillas.espacioblog.com/post/2007/10/22/aaque-seraa-la-vida-de-fernando-y-juan-carlos-

La banda ha vendido más de 100 millones de discos, y ha tenido 21 sencillos en la importante lista Billboard Hot 100, y treinta en el Top 40 de Gran Bretaña (UK Singles Chart), incluyendo Planet Earth, Girls on Film, Rio, Hungry Like the Wolf, Save a Prayer,(come undone) ,***siendo este uno de los mejores sencillos de la banda;Is There Something I Should Know, The Reflex, The Wild Boys y la canción para la saga de James Bond, A View to a Kill.2 Éxitos posteriores fueron Serious, Ordinary World, Come Undone y White Lines a principios de los 90, y Sunrise y What Happens Tomorrow en la década de 2000.

Tomando el nombre del villano “Dr. Durand Durand” de una película del director Roger Vadim, Barbarella, la banda Duran Duran fue creada por los compañeros de colegio Nick Rhodes (teclados) y John Taylor (guitarra) con sus amigos Simon Colley (bajo, clarinete) y Stephen Duffy (voz). Después de un año Duffy y Colley dejaron el grupo, siendo reemplazados por el vocalista Andy Wickett y el baterista Roger Taylor. Tras grabar una demo o maqueta, John Taylor cambió de instrumento al bajo y el guitarrista John Curtis se unió al grupo, que dejó después de algunos meses. El grupo dejó un anuncio en la revista Melody Maker que llamó la atención de Andy Taylor, quien se convirtió en su guitarrista. Duran Duran tuvo problemas para encontrar vocalista luego de la ida de Wickett en 1979. Tuvo que pasar por varios antes de encontrar a Simon Le Bon.

Si bien comenzaron su carrera como una interesante escuela de arte-banda de New Wave, siguiendo la tradición de Roxy Music, su rápido ascenso al estrellato, su look bastante estilizado y el asedio de la prensa adolescente parecía desvanecer su oportunidad de obtener el favor de los críticos de música. La prensa amarilla británica era especialmente venenosa. Durante los años 1980, Duran Duran fueron considerados por la crítica como otra banda más de “usar y tirar”, no muy diferente de otras boy bands creadas entre bastidores por mánagers como; New Kids on the Block o *NSYNC. Mientras pocos discutirían que la música era pop ligero y facilón, lo que la crítica parecía no ver era que la banda escribía y tocaba sus canciones mucho antes de que hubiese discográficas y mánagers de por medio, llevados por su propia ambición. Como Moby dijo sobre la banda en su web en 2003: “… estaban bajo la llamada maldición de los Bee Gees, que es, escribir buenas canciones, vender montones de discos, y aun así caer en el desinterés de la crítica rock establecida”.[2]

A lo largo de los años, sus bandas contemporáneas (The Bangles, Elton John, Kylie Minogue, Paul Young, Smashing Pumpkins) han elogiado los esfuerzos de la banda hacia un pop puro que se rebelaba contra el punk rock y la tristeza gris de la era Thatcher británica. Le Bon mismo describió en una ocasión al grupo como “la banda con que bailar mientras caen las bombas”.

Algunos de sus sucesores como Barenaked Ladies, Beck, Jonathan Davis de Ko?n, los Deftones, Garbage, Gwen Stefani y No Doubt, Gavin Rossdale y Bush, Wyclef Jean, Marilyn Manson, Fred Durst de Limp Bizkit, The Orb, y Pink han mencionado a Duran Duran como una banda clave en sus formaciones musicales. Mark McGrath de Sugar Ray se ha autoproclamado uno de sus más grandes fans; “quería ser John Taylor”. Los videos musicales de Sugar Ray han incluido parodias afectivas de los videos de Duran Duran. Britney Spears y Justin Timberlake también han elogiado a la banda.

Las últimas bandas en mencionar a Duran Duran como una de sus influencias inclyen a Dido, Franz Ferdinand, Lostprophets (que tomaron su nombre del título de un bootleg de ellos), Goldfrapp, The Killers, Scissor Sisters (“la razón por la que estamos en la música”) y The Strokes.

La música de la banda también ha sido usada por varios artistas de Hip hop, especial mención a Notorious BIG, que lógicamente sampleó su canción de 1986 “Notorious”, aunque han sido muchas las bandas que han hecho versiones de sus canciones tanto en grabaciones como en directo.33

Duran Duran también ha sido influyente en lo que respecta a la música del videojuego GTA (Grand Theft Auto). Las primeras 3 entregas numeradas de la saga (GTA 1, 2 y 3) y GTA: Liberty City Stories han presentado canciones originales creadas por miembros de Rockstar. Craig Conner, principal creativo musical de la desarrolladora de Edinburgo, comentó en una entrevista que “Duran Duran fue una inspiración a la hora de crear el material” Además, en la estación Flashback de GTA III puede escucharse que unos pocos segundos de audio se interrumpen mientras la locutora de la emisora se encuentra hablando. Originalmente, incluía una pequeña referencia a la banda, pero tuvo que ser removida del producto final por cuestiones legales.

Pioneros del video

Aparte de sus canciones lo que mucho se recuerda de Duran Duran, son sus videoclips icónicos. Aunque muchos de sus videos eran considerados lascivos, la banda siguió un estilo glamuroso y fashion siguiendo la estela de sus primeros videos.

El canal por cable MTV y la banda empezaron su andadura casi al mismo tiempo, y cada uno de ellos ayudó a lanzar al otro. La MTV necesitaba videos con artistas carismáticos, y el trabajo videográfico de la banda era una gran influencia – casi revolucionaria – para la cadena. Primero, Duran Duran filmaba en lugares exóticos como Sri Lanka y Antigua, creando imégenes memorables que eran radicalmente opuestos a los videos de bajo presupuesto que se hacían hasta entonces, de bandas, simplemente, tocando sus instrumentos en el escenario. En segundo lugar, en vez de simplemente tocar, la banda participaba en una trama, una narración (a menudo tomadas de películas contemporáneas – “Hungry Like The Wolf” de Raiders of the Lost Ark, “Wild Boys” de The Road Warrior, etc.). Los videos obviamente iban en esta dirección, pero Duran Duran lo hicieron con un estilo que atrajo la atención de los comentaristas de la cadena y que creó una armada de imitadores. También fueron precursores por su estilo de editar los videos y de su diseño gráfico. Además de esto, fueron los primeros en filmar con cámaras de cine de 35mm, en decrimento de las más baratas videocámaras. Así, Duran Duran cambiaron la forma de ver de las discográficas los videoclips y la visión de otras bandas sobre lo que tenían que conseguir de un videoclip.

A cambio de esto, la MTV le dio a Duran Duran el acceso al mercado norteamericano, tan reacio a la música británica, New Wave, o “cualquier cosa con sintetizadores”. Al no estar presente la MTV en todo el país, al principio, era fácil ver el patrón: donde sí había MTV, los oyentes americanos pedían Duran Duran, Tears For Fears, Def Leppard y otras bandas europeas.34

Los videos “Rio”, “Hungry Like The Wolf” and “Save A Prayer”, y la surrealista “Is There Something I Should Know?” fueron grabadas por el futuro director de cine Russell Mulcahy, que hizo once de ellos en total. Duran Duran siempre buscaron directores y técnicas innovadores, incluso cuando la MTV ya nos les daba tanto crédito. Además de Mulcahy, han usado para sus videos a innovadores fotógrafos como Dean Chamberlain y Ellen von Unwerth, al director chino Chen Kaige, a Julien Temple, y a los Polish Brothers, entre otros. Según Nick Rhodes, “el video es para nosotros como el stereo para Pink Floyd”.35

No todo el mundo admiraba sus videos. Morrissey, cantante de The Smiths y fan de su música, dijo en una publicación de la revista musical Smash Hits de 1984: “Una cabra borracha sobre la Torre Eiffel podría dirigirle muchos mejores videoclips a Duran Duran”.

En 1984, Duran Duran llevó la tecnología audiovisual a sus actuaciones: siendo el primer grupo grande en añadir a sus conciertos pantallas de video (empezando en US Festival) para acercar la acción a los espectadores más alejados. También han grabado conciertos usando IMAX y cámaras panorámicos de 360 grados, con canales de audio 10.2. En 2000 experimentaron con tecnología de realidad aumentada, que permitía imágenes de tres dimensiones generadas por ordenador aparecer en el escenario con la banda.36

Duran Duran apareció en varios especiales de mejores videoclips del siglo como “MTV 100 Greatest Videos Ever Made” donde se incluyó “Hungry Like The Wolf” en el nº11 y “Girls On Film” en el 68, y el “VH1: 100 Greatest Videos” clasificó a “Hungry” en el nº31 y “Rio” en el 60. MTV también nombró a “Hungry” el decimoquinto video más visto de la historia.

La banda ha lanzado varias recopilaciones audiovisuales, empezando por el conocido como Duran Duran, por el cual ganaron un Grammy, en 2004 lanzaron el doble DVD Greatest, que incluía versiones alternativas de varios videoclips como huevos de pascua. Además deGreatest, el documental Sing Blue Silver, y el video-concierto Arena (ambos de 1984) fueron lanzados en formato DVD en 2004. Live in London, un video-concierto de uno de sus exitosos conciertos del 2004 en el estadio de Wembley, fue lanzado en la última parte de 2005.

Otras recopilaciones en vídeo, películas de conciertos, y documentales están aún disponibles en cinta de video, y Duran Duran no ha lanzado todavía una colección oficial que incluya todos los videoclips que la banda ha hecho. Duran Duran ha comentado también que gran cantidad de conciertos inéditos y material audiovisual ha sido grabado durante estos años, y esperan que puedan ser editados y lanzados en varios formatos en los próximos años.

Este cd’s es de mi colección de discos de “grandes éxitos”, fue uno de los últimos que pude comprar por internet, y en él hay unos cuantos temas que me encantan y que últimamente han estado sonando mucho en televisión en series norteamericanas como “Cold Case”.

Como siempre digo DISFRUTENLO!!!

Información Extraída de:

http://es.wikipedia.org/wiki/Duran_Duran

Este disco nada común, solo trae 4 temas musicales, El himno de las olimpiadas, el tema América grabado en estudio, y en vivo los temas: “Contigo en la Distancia”, “No se tú” e “Inolvidable”.

Como todos los años, en mi cumpleaños, siempre publico algún disco de mi colección que me encante para este día, así que aquí les dejo este que cuando lo descubrí lo compre por internet ya que hasta donde llegue a ver, no se vendió o no llego mucho a las tiendas venezolanas…

Alguien que me saque de dudas… tengo muy buena memoria a tal punto de que JairoB me llama “el libro gordo de Gabriela” jajajajja estos 3 temas que son en vivo ¿FUERON LOS QUE LUIS MIGUEL CANTO EN LA APERTURA O EN EL CIERRE DE LAS OLIMPIADAS DE BARCELONA 1992? o simplemente  se tomaron de cualquiera de sus conciertos y se agregaron en este disco para que el tema AMÉRICA no se fuera como un sencillo en un cd solo?.

Bueno como siempre digo DISFRUTENLO!!!

La canción, con su simple melodía dulce y mensaje político enojado, ha seguido siendo un himno del nuevo movimiento de la canción, de una fusión de la música tradicional y de líricas social conscientes que ha inspirado protestas de los derechos humanos a través del continente desde los años 60. Fue escrita por el fallecido Alí Primera, cantante y compositor venezolano y que sus trabajos aprovisionaron de combustible a la popularidad de Los Guaraguao.

«La Canción no ha perdido su potencia, porque los problemas todavía están allí,» dice el guitarrista Eduardo Martínez del grupo, de suave-hablado y que con esa consonancia transporta una tristeza infantil.

En los años 80, Primera fue muerto en un «accidente» automovilístico cuando iba rumbo a su casa cuando venia de un estudio de grabación de Caracas, dice Martínez. El accidente chispeó las teorías de una conspiración que alegaban que el compositor, quien se auto denominaba comunista, había sido asesinado realmente. (Los hijos de Primera, Servando y Florentino, un dúo respetado del salsa en su propia derecho, recientemente sacaron una versión de un álbum con nuevas versiones de las canciones de su padre.)

Martínez esta convencido que la muerte de Primera fue accidental, pero su pérdida lastimo a Los Guaraguao, que había confiado en el compositor como »pilar fundamental» de su música. El grupo cayó en un período de la inactividad relativa, alimentando los rumores de su propia desaparición.

Por todas partes donde van, dice Martínez, los fans están sorprendidos al encontrarlos vivos. «Un mito fue creado al rededor de la banda» dice Martínez, 52.» Todavía hay mucha gente que dice, ’ no, éste debe ser un grupo diferente.»

Martínez dice que los miembros de la banda nunca estuvieron en peligro verdadero, aunque han tenido su encuentro pesado con las autoridades. En un concierto en Caracas, recuerda Martínez, un militar en uniforme expreso su descontento lanzando un baso de agua en su cara.

«Estamos enterados que cantamos un tipo de canción de el cual mucha gente no aprueba,» dice él. «Y conocemos los riesgos, pero no nos vamos a mover hacia atrás. Si los problemas sociales no existieran, no habría ninguna necesidad de cantar sobre ellos. »

El espíritu luchador del grupo sigue intacto en su último álbum, «EL Sombrero Azul» su décimo quinta grabación en los 28 años desde » Casas de Cartón. » El grupo fue a partir la 1984 a 1996 sin nuevos discos, después publicó un álbum de la reaparición titulado » Vamos Andando.»

Pero nada ha correspondido con el renombre y la potencia de su período temprano en que otras consonancias memorables tales como «Mi Viejo» combinaron con el activísmo de la era para propulsar su renombre a través de América Latina y de España. Los Guaraguao también se convirtieron en embajadores internacionales de la música tradicional venezolana, de un estilo animado y distinto que ha sido eclipsado por las mas conocidas formas de la vecina Colombia.

Ese estilo satisface los ventiladores die-hard tales como Jiménez, que todavía prefiere música de la protesta para hacer estallar.

«La canción social hace cuestionar muchas cosas,» dice a Jiménez, vice presidente del comité de la solidaridad de la misión de Dolores, integrado por los feligreses que han entregado ya la ayuda a las víctimas del temblor y ahora están patrocinando el concierto. » hace que usted se pregunte: «que voy hacer sobre esa gente en las casas de la cartón, y sobre esos niños que van a dormir sin nada de comer?»

Este disco, tiene temas hermosos aunque de contenido social muy fuerte, real y actual, tal como el tema CASAS DE CARTÓN.

La calidad del vinilo es muy buena así que fue fácil digitalizarlo y restaurar el audio, con la carátula si me tarde un buen rato ya que no fue nada fácil restaurar ese dibujo a plumilla sin dañarlo o modificarlo demasiado.

Agradezco a los visitantes de la pagina NO DEJAR NINGÚN COMENTARIO DE TONO POLÍTICO EN ESTE DISCO, PORQUE EL MISMO SERA INMEDIATAMENTE BORRADO.

Este vinilo fue cedido en calidad de préstamo por mi madrina la Sra. Zoraida de Peñalver.

Información Extraída de:
http://www.lastfm.es/music/Los+Guaraguao/+wiki

Con el éxito de “Chiquitita” en 1979, ABBA grabó la versión en castellano de “Chiquitita”, con la letra de Budy y Mary McCluskey y con ayuda de la periodista Ana Martínez del Valle para la pronunciación. El sencillo se convirtió en un éxito y pocos meses después, ABBA había vendido más de 500,000 copias tan sólo en Argentina.

Unos meses después, el grupo probó que su éxito en Latinoamérica no era cuestión de suerte, y en septiembre graban la versión en español de “I Have a Dream”. El sencillo de “Estoy soñando” se convirtió en un éxito, convenciendo al grupo de que deberían grabar un LP totalmente en castellano.

El 7 de enero de 1980, mientras Björn y Benny estaban de viaje por Barbados, Agnetha y Frida comenzaron a grabar en el estudio Metronome de Estocolmo ocho temas totalmente en español. Habían sido seleccionados por su toque latino (como “Hasta Mañana” y “Al Andar”), por su popularidad (como “Reina Danzante” y “Conociéndome, Conociéndote”) o por ambos (como “Fernando”). En total, diez pistas formarían su nuevo álbum, que sería lanzado en diferentes territorios en los próximos meses.

Gracias por la Música fue puesto a la venta en España en abril de 1980, mientras y un mes después en Latinoamérica. El lanzamiento oficial hecho por Polar Music en Escandinavia fue el 23 de junio de ese mismo año. En Japón fue lanzado en julio de 1980, y en Australia en 1981. Gracias por la música fue publicado en CD en 1992, y hasta la fecha no se ha vuelto a realizar ninguna masterización del álbum.

Actualmente Gracias por la Música ya no está disponible, pero las pistas que formaron el disco están disponibles en la compilación ABBA Oro.

Este disco fue cedido por mi mamá, Agustina Acosta (ahora lo tengo en mi colección de discos de ABBA), ella tenía la costumbre de escuchar la canción “Estoy Soñando” tres veces porque es su favorita.

Recuerdo con especial cariño las noches cuando yo era niño y tenía miedo a la oscuridad o a dormir solo, ella solía cantarme dicha canción de Abba debido a que esta se trata de ángeles que nos cuidan.

Luego que comenzó el auge de los discos compactos no paso mucho tiempo para que comenzara nuevamente a escuchar la misma canción 3 veces, en ocasiones cuando coloca el cd tengo que enviarle mensajes diciéndole mamáaaaaaa cambia la canción que ya no la aguantoooo jajajaja.

Fuente: Información extraída de: http://www.thorsven.net/Divers/gplmlp/gplmlp.htm

Los temas que trae el disco son los siguientes:

01. Antonietta Y Paul Anka – Como Un Dia Domingo
02. Luther Vandross Y Maria Carey – Endless Love
03. Aguilar Y Paulette Dozier – Soy Para Ti
04. Jon Secada Y Shanice – If I Never Knew You (Pocahontas)
05. Armando Manzanero Y Olga Tañon – Somos Novios
06. Eros Ramazotti Y Cher – Piú Che Puo
07. Frank Quintero Y Mara Getz – Química
08. Babyface Y Stevie Wonder – How Come, How Long
09. Jose Feliciano Y Ann Kelly – Para Decir Adios
10. Terence Trent D’arby Y Des’ree – Delicate
11. José José Y Lanny Hall – Te Quiero Así
12. Peaches Y Herb – Reunited
13. Kiara Y Guillermo Davila – Tesoro Mio
14. Tears For Fears Y Oleta Adams – Woman In Chains
15. Lanny Hall Y Jose Feliciano – Un Amor Asi
16. Zucchero Y Paul Young – Sensa Una Donna (Without A Woman)
17. Mark Anthony Y Jennyfer Lopez – No Me Ames
18. George Michael Y Mary J Blige – As
19. Melissa Y Jermaine Jackson – Confesiones
20. Ricky Martin – Cristina Aguilera – Nobody Want’s To Be Lonely
21. Pimpinela – El Amor No Se Puede Olvidar
22. Laura Fygi Y Michael Franks – Tell Me All About
23. Melissa Y Riccardo Cocciante – Cuestion De Feeling
24. Kenny Rogers Y Kim Carnes -  Don’t Fall In Love With A Dreamer
25. Paloma San Basilio Y Tony Cruz – Alguien
26. Bryan Adams, Rod Stewart, Sting – All For Love
27. Alejandro Fernandez Y Gloria Stefan – En El Jardin De Mis Amores
28. Ricky Martin Y Meja – Private Emotion
29. Ana Gabriel Y Vikki Carr- Son Cosas Del Amor
30. Meat Loaf Y Marion Raven – Its All Coming Back To Me Now

Bueno, como he dicho en años anteriores… NO VOY A LLEVAR A BAUTIZAR A NINGÚN MUCHACHO PROVOCADO POR ESTOS TEMAS EN 9 MESES!!!!… No me hago responsable por cortes de venas, intento de suicidios o reconciliaciones fallidas jajajjajajajja!!!!

Me costo un mundo hacer esta selección sin tocar o “chocar” con los temas de Raúl (con excepción de “Endless Love” que el lo tiene con Lionel Richie y Diana Ross, y yo lo monte versionado por Luther Vandross Y María Carey), y con los especiales de los años 2008 y 2010. Recorrí temas desde los años 70′s a los 90′s, así que por ahí van aparecer “sorpresas” que espero les gusten.

Deseándoles a todos los visitantes de la pagina un FELIZ DÍA DEL AMOR Y LA AMISTAD!!!

Como siempre digo Disfrutenlo!!!!

Mecano ha vendido hasta la fecha más de veinticinco millones de discos en todo el mundo, alcanzando un éxito sin precedentes en países como España, México, Colombia, Francia, Italia, Venezuela, Puerto Rico y Chile.[cita requerida] Está considerado uno de los grupos más importantes e influyentes de la historia del pop y del rock en español, de tal suerte que sus conciertos en vivo siguen siendo uno de los acontecimientos musicales de mayor envergadura en la memoria musical española.

Gracias a las adaptaciones de algunos de sus temas a otros idiomas llegaron a obtener una gran repercusión en países de habla no hispana como Italia y Francia, especialmente en los países francófonos de Europa donde la versión francesa de su tema «Mujer contra mujer» continúa siendo la canción extranjera que más semanas ha estado en el Número Uno en las listas galas de grandes éxitos.

Los comienzos

A mediados de los años 70, José María Cano conoce a Ana Torroja a través de pandillas comunes del barrio de Nuevos Ministerios, en Madrid, el formado por calles como las de Orense, Raimundo Fdez Villaverde, Modesto Lafuente o el Paseo de La Habana. De esta forma comienza entre ambos un noviazgo adolescente. Así, y poco después, Ana Torroja, novia del joven guitarrista, comienza a acompañar a éste en su intención de convertirse en cantautor, realizando las segundas voces y coros de sus primerizas composiciones musicales de canción de autor, con temas como «La cigarra y la hormiga». Sería poco después cuando a la pareja se une el hermano menor de José María, Nacho, acompañando a estos con una segunda guitarra. Nacho acababa de cortar relaciones con unos amigos con los que formaba el grupo Prisma, de sonido y pretensiones completamente alejadas de la música de cantautor que realizaba su hermano.

Sería en esta andadura, ya en 1981, cuando José María se inscribe y es seleccionado para participar en el concurso de TVE Gente Joven con el nombre de José María Cano y Amigos, con José María como voz principal y guitarrista, Ana en la segunda voz y coros y Nacho como arreglista y también en los coros. Interpretaron los temas «¿Qué haces tú en el mundo?», compuesto por José María y «Al alba», este último de Luis Eduardo Aute. Tras la actuación en este concurso de TVE, que se saldó con un mal resultado, siguieron actuando, ya no sólo en fiestas de colegios mayores de Madrid, sino también en pequeños locales de la capital, no como un grupo, sino siempre como un cantautor que se hace acompañar de su novia y de su hermano, del que empiezan a tocar algunas canciones. Será en ese ambiente cuando conocen a Miguel Ángel Arenas “Capi”, quien consiguió hacerles entrar en contacto con el medio discográfico, tanteando un par de compañías de discos. Capi, tras aconsejar, ya en una prueba con CBS, que fuese ella quien hiciese la voz principal, facilitó la decisión de la compañía de ofrecer a los tres jóvenes un inicial contrato discográfico que contemplaba la grabación de un único single, que finalmente sería el que hoy es auténtico himno del grupo «Hoy no me puedo levantar».

A pesar del contrato firmado, la empresa no confiaba enteramente en los tres jóvenes. A la discográfica le despistaba especialmente, a la hora de considerar al nuevo grupo, el componente cantautor del mayor de los hermanos, por lo que les plantearon, de cara a la grabación del primer single, la necesidad de disponer de un material de marcado carácter juvenil, con la clara intención de buscar un éxito comercial. Así, tras varios días en el estudio, y tras mostrar el material reunido, la discográfica se decide por el tema «Hoy no me puedo levantar», que finalmente es producido y editado el 22 de junio de 1981 y en el que describen las sensaciones juveniles después de un fin de semana de fiesta. En todo caso, la discográfica no prestó demasiado interés al single que la propia casa había producido, pactando una escueta semana de radiodifusión del mismo en los 40 Principales que resultó insuficiente para dar a conocer al grupo. Por este motivo, y de cara a lograr una promoción más prolongada en el tiempo, el padre de los Cano decide comprar a precio de fábrica y de su propio bolsillo cien copias con el fin de enviarlas a distintas emisoras de radio madrileñas para dar así a conocer el tema. Los resultados no se hicieron esperar, consiguiendo atraer la atención del público, especialmente a partir de un inicial éxito de carácter local en Valencia, favorecido por la promoción de la emisora 40 Principales en aquella ciudad.

Incluyendo en su cara B el tema «Quiero vivir en la ciudad», un homenaje a la ciudad de Madrid, el single debut contó con los arreglos de Luis Cobos y la producción de Jorge Álvarez y se convirtió en un gran éxito, vendiendo 40.000 ejemplares. En cuanto al nombre, al tratarse de un grupo de personas que llegan a una discográfica sin ideas ni pretensiones concretas al respecto, hubo de encontrarse uno en los propios despachos de la compañía que decidió grabar el material de los tres jóvenes. La admiración de los hermanos Cano (en especial Nacho) hacia el synth-pop inglés, llevó a sugerir, jugando con el apellido de los chicos, el nombre de Mecano Humano, en honor al grupo The Human League, sin embargo, poco después, buscando un nombre más comercial, lo acortaron y quedó simplemente en Mecano, un nombre que, en todo caso, se acoplaba muy bien a la estética pop del momento y al sonido tecno que se decidiría dar a la primera producción del grupo.

Años más tarde, ya en los 90, Ana Torroja desvelaría en una entrevista a la revista francesa Elle que «elegimos ese nombre, Mecano, para demostrar que se puede construir lo que uno quiera mezclando elementos de rock, flamenco, pop y soul», haciendo referencia al juego de construcción meccano, algo completamente falso pero que cerraba muy bien el círculo de los diferentes estilos y sonidos que, con el tiempo, el grupo llegó a desarrollar en sus discos.

Entre el cielo y el suelo, consolidación, madurez y eclosión latina

El abandono del grupo por parte de CBS es considerado uno de los mayores errores cometidos por una discográfica española, ya que la publicación de su nuevo trabajo en 1986, Entre el cielo y el suelo, ya con su nueva compañía, Ariola, les lleva a convertirse en el grupo español de pop rock de mayor éxito y proyección internacional de la historia.[cita requerida]. A raíz del renacimiento comercial del grupo en las listas de ventas, su anterior discográfica, CBS, propietaria de los derechos de los 4 primeros títulos en la discografía de Mecano, recurrirá a una oportunista política de ediciones recopilatorias y de rarezas del grupo, dando lugar, tanto durante el desarrollo de “Entre el cielo y el suelo” como en álbumes posteriores, a la coexistencia, en las listas de ventas, de diferentes discos del grupo, editados por diferentes compañías.

Con este nuevo disco, publicado el 16 de junio de 1986, comienza una segunda etapa para el grupo que trae consigo varios cambios. En 1986 el movimiento New Romantic había desaparecido como tal de la escena musical internacional y el synthpop se consideraba una tendencia pasada de moda. Es el momento del AOR (rock orientado a adultos), como constata el triunfo internacional de Tina Turner, o de grupos de rock duro, como Scorpions, Status Quo o los más comerciales Europe. Esto conlleva en el trío, en primer lugar, un cambio estético que les lleva a prescindir del aspecto más estrafalario de la vestimenta de sus primeros años, escogiendo desde entonces una imagen mucho más austera, de apariencia más urbana y masculina, basada en los pantalones vaqueros y en las cazadoras y botas de cuero.

El segundo cambio se produce a nivel creativo, ya que el disco supone el despegue como letrista y compositor de José María Cano. José María aporta en este álbum los mayores éxitos que el grupo tiene hasta el momento: «Cruz de navajas», «Me cuesta tanto olvidarte» e «Hijo de la Luna». Estos temas suponen un cambio en la sonoridad del grupo, al orientarse más hacia el pop que hacia los sonidos electrónicos, y sobre todo, sus letras aportan una perspectiva adulta, algo que la crítica musical les había negando tener hasta el momento. Es el cambio que el grupo necesitaba y en el momento justo: las ventas se disparan y el disco supera el millón de copias vendidas en todo el mundo, siendo el primer grupo español en alcanzar esa cifra.[cita requerida] Además, “Entre el cielo y el suelo” supone la eclosión de la música del grupo en América, muy especialmente en México y otro países como Colombia, Venezuela y Chile, donde comenzaron a ser considerados, y tratados, como auténticas estrellas del pop internacional, abarrotando recintos, liderando las listas de ventas y causando un auténtico furor en sus apariciones promocionales en radio y televisión.

El grupo tras su separación

Desde que dieran su último concierto, Mecano ha sido considerado como un hito en la historia de la música pop española. Sus canciones no han dejado de sonar en las emisoras de radio nacionales e internacionales, alimentando las esperanzas de reencuentro entre los nostálgicos de un grupo que ha trascendido varias generaciones.

Tras la disolución del grupo, sus tres miembros comenzaron carreras en solitario. Nacho Cano, tras la publicación de varios títulos en solitario, entre los cuales se encuentra un primer y extraordinario álbum de carácter instrumental, se dedica a la composición de espectáculos musicales, desde el estreno, en 2005, del musical Hoy no me puedo levantar, basado en las canciones compuestas por su hermano y él mismo tanto para el grupo como para sus discos en solitario, con gran éxito de crítica y público. José María Cano, tras la composición de una opera lírica y la grabación y presentación en directo de un álbum como cantautor, en 1999, se encuentra, en el presente, alejado de la música y dedicado profesionalmente a la pintura, campo de expresión artística en el que está encontrando el reconocimiento que quizá le faltó para su creación musical tras la desaparición del grupo en 1992. Por su parte, Ana Torroja, continúa con el desarrollo de una pausada carrera en solitario que comenzara en 1997 con su álbum debut “Puntos cardinales” y que la ha llevado a grabar varios álbumes más, uno de ellos cantado íntegramente en francés para el mercado del país vecino, a realizar 3 giras de diferente envergadura, y a colaborar con múltiples artistas nacionales e internacionales.

Tras la fusión de las compañías discográficas BMG y Sony Music (antigua CBS), casualmente las dos por las que pasó el grupo, a raíz del interés comercial desatado por el musical Hoy no me puedo levantar, se reeditó toda la discografía del grupo, a lo que se añadió la puesta a la venta de nuevas ediciones recopilatorias como el box-set Obras completas el tripack Grandes éxitos y el DVD digipack Mecanografía (la historia en imágenes).

Cuatro años después del último despliegue editorial de 2005, en 2009 SonyBMG firmó con la compañía de entretenimiento Play Station el lanzamiento de Mecano SingStar el primer videojuego del famoso soporte PlayStation dedicado exclusivamente a un grupo español. Junto a este lanzamiento se realizó la publicación de “Mecano Siglo XXI” un recopilatorio de 2 CD y dos DVD; como novedad se incluyó el tema inédito Maria Luz grabado en 2005, año en que se pensó en la reunión del grupo. El tema versionaba en realidad una demo de 1988 grabada durante las sesiones de estudio de “Descanso dominical” bajo el título “El romance de la niña María Luz”, maqueta que llegó a saltar a la red en torno al año 2003 y que llegó incluso a ser radiada por emisoras como Cadena Dial. El nuevo recopilatorio incluía igualmente remezclas de los temas “Un año más” y “La fuerza del destino”. Mientras, en el DVD se incluyeron imágenes igualmente inéditas del concierto en el Pabellón del Real Madrid de diciembre del 82 así como fragmentos del concierto de Ibiza diez años después.

Bueno… Veamos cuantos suitches se caen con este disco, trae excelentes temas como “hijo de la luna”, “cruz de navajas”, “no es serio este cementerio” y la corta venas digital “me cuesta tanto olvidarte” ¿porque digital? porque el sonido de los violines no era de orquesta sino UN COMPUTADOR APPLE el que los generaba, Recuerdo bien el video donde tocaban un piano blanco de cola, Ana Torroja cantaba arrecostada al piano y la pequeña computadora con su pantallita creo que monocromatica mostraba la partitura mientras funcionaba y sonaba; para ese entonces era tremenda innovación. Aunque conseguí el Lp, estaba tan recontra dañado que preferí usar mi versión de Cd’s, así que perdónenme la “trampita” que metí, este cd recuerdo haberlo comprado en Miami en mi viaje del 93 de donde me traje un montón de una lista que preparamos entre JairoB y yo.

Como siempre digo DISFRUTENLO!!!

Información Extraída de: http://es.wikipedia.org/wiki/Mecano_%28banda%29

La banda nace con Servando Alzati, en segunda guitarra; Gilberto Urdaneta, en el bajo; Rafael Montero, en primera guitarra; y Heberto Medina, en batería. Éstos se dedicaban a cantar en los clubes nocturnos de Maracaibo. Posteriormente Urdaneta y Medina se desintegran para darle paso a Bob Bush y a Bernardo Ball.

Ya para el año 1964, la banda queda conformada por Edgar Alexander, Nerio Quintero, Henry Stephen, Francisco Belisario, Bernardo Ball, Rudy Márquez y Pedro Alfonso.

Pero desde el Zulia retumban Los Flippers, agrupación que nace el mismo año que Los Impala y que fue muy reconocida por sus famosas presentaciones de todos los fines de semana en el Hotel del Lago y en el club Náutico.

Aunque la banda inicia con Roberto Marcelletti, George Fort, Francisco Belisario y Carlos Hamm, todos entre 16 y 18 años, los que después serían Impalas: Nerio Quintero, Henry Stephen, Francisco Belisario y Edgar Alexander dieron sus primeros pasos desde esta agrupación. Ya para 1963 dejan de sonar y es cuando se hace la fusión Flippers-Impala.

“Éramos muy jóvenes y en realidad empezamos la agrupación porque nos gustaba la música, no por negocio. En una oportunidad nos escuchó Gilberto Correa, estábamos cantando en la inauguración del Puente sobre el Lago, nos invitó a Venevisión y estuvimos en Caracas en esos días, pero luego regresamos acá hasta que nos disolvimos”, contó George Fort, integrante de Los Flippers.

En esta época, Los Impala llegan a Caracas para presentarse en El Show de Renny, por Radio Caracas Televisión. En el 66 se van a España, se quedan a vivir allá como cuatro años y se transforman en un grupo importante del rock de España que se codeaba con los grandes grupos del rock de aquella época.

Cuenta Edgar Alexander, desde Caracas, que cantaron en Portugal, Italia, Francia, Inglaterra, Holanda, entre otros. “Pero la gran aceptación fue en España”.

En el 70 la banda regresa a Venezuela, hace algunas presentaciones pero ese mismo año se disuelve hasta el sol de hoy.

Los virtuosos zulianos serán recordados como los primeros en llevar el género de manera desenfadada de la ciudad petrolera al mundo. Venezuela bailaba al ritmo del rock en momentos en que terminaba la dictadura.

En 1963, Edgar Quintero, Nerio Quintero, Omar Padauy, Francisco Belisario, Henry Stephen y Pedro Alfonzo dan vida a su primer álbum, Conozca a Los Impala. Tras la edición de Los Impala (1964), Henry Stephen y Pedro Alfonzo abandonan el grupo y entra Rudy Márquez. De esta primera etapa, con Henry Stephen, son éxito los temas La Ví Parada Allí, Larguirucha Sally, La Plaga. La canción La ví parada ahí, versión de un tema de THe Beatles, alcanzó el N° 1 en el hit parade de nuestro país, ocupando ese lugar durante 17 semanas. Con la nueva formación: Edgar y Nerio Quintero, Rudy Márquez, Francisco Belisario y Omar Paduay editan los LP Nuevamente Los Impala (1965) y Los Impala ´66 (1966). Omar Paduay abandona el grupo y el nuevo baterista es Bernardo Ball. Publican el álbum Los Impala y su Música (1966), el cual es editado en dos versiones: una en inglés y otra en Español. A finales de 1966 se marchan a España donde tiene un gran éxito. Su obra discográfica continúa con la edición de Los Impala en Europa (1967), Estos son Los Impala (1968) e Impala Syndrome (1969). Este último disco es grabado en Estados Unidos y se convierte en la última grabación del grupo, donde predomina el sonido propio de la psicodelia imperante en esa época. Sus presentaciones en Europa abarcaron países como España, Inglaterra, Francia, Holanda e Italia. Son muchas las anécdotas de Los Impala, alternaron con agrupaciones de gran éxito mundial como The Hollies y, en 1968, compartieron tarima con miembros de The Rolling Stones para interpretar los temas La Ví Parada Allí y Satisfacción. Inicialmente su repertorio se basaba en versiones en español de canciones de Los Beatles (La ví parada allí, Ocho días a la semana, Ayer, Lo noche anterior, De mí para ti, Estoy perdido, Ella es una mujer), Manfred Mann (Do Wah Diddy), Joe Tex (You´d better believe, Show me), James Brown (I feel good), para luego dar paso a canciones propias de gran éxito como Taxi, Vida normal, Todo gira, Una terrible enfermedad.

En 1990, Edgar Quintero (Edgar Alexander), Rudy Márquez y Francisco Belisario reúnen el grupo junto con el guitarrista Rubén Ángel Correa “Micho” (ex-Témpano) y el baterista Iván Marcano (ex-Daiquiri, Nasty Pillows, Mike Kennedy) para una serie de presentaciones algunas de las cuales contó con la participación de Henry Stephen. El grupo sigue haciendo presentaciones esporádicas y algunos de sus shows han sido grabados a través de Eudy Márquez Producciones editando, con un tiraje limitado, el álbum Los Impala en Concierto (2003). Con la edición del álbum 40 Años 40 Éxitos (2006), se presentan 42 temas de su importante repertorio en formato de CD recogiendo con ello piezas que no sólo son clásicas de Los Impala, sino que se han convertido en piezas indispensables en el repertorio musical venezolano.

De esta agrupación tengo el honor de conocer y tratar a 2 ex-integrantes, en este caso de LOS FLIPPERS, pero que por un tiempo fueron parte de los Impala, al principal que es mi cliente (de computación) el Sr George Fort, y he conocido por medio de él al ahora Chef con un programa de de televisión Roberto Marcelletti. Escucharlos contar su historia de como se formaron y al final fusionaron los 2 grupos fue algo increíble al igual que el almuerzo/cena que entre los 2 prepararon ese día que no fui a la casa del Sr Fort como técnico sino como amiga de la familia. Este Lp de Los Impala esta en excelentes condiciones, el vinilo y la cáratula, así que fue fácil su digitalización.

Este disco fue cedido en calidad de préstamo por mi Madrina la Sra Zoraida Peñalver.

Como siempre digo DISFRUTENLO!!!

Información Extraída de:
http://www.rockhechovenezuela.com/impala.htm
http://www.lamaracucharadio.com/NOTICIAS/McboRockInicio.htm

El disco consolidó, más si cabe, a Montaner como intérprete de referencia en el panorama musical venezolano. “La cima del cielo” y “Me va a extrañar” son con justicia los temas más recordados de esta producción dirigida por el gran Pablo Manavello.

01 La Cima del Cielo
02 Un Toque de Misterio
03 La Chica del Ascensor
04 Angelical
05 Reina de la Noche
06 Cada Vez
07 Me Va a Extra?ar
08 Te Presiento
09 Yo Sin Ti
10 Ciudadano Enmascarado

Nació en el seno de una familia de judíos en Israel. A los doce años se unió al grupo de teatro del barrio Hatikva, al sur de Tel Aviv. Tras servir durante dos años en el ejército israelí, grabó su primer disco en solitario, con el que obtuvo gran popularidad en Israel. A lo largo de su carrera, consiguió 16 discos de oro y platino. Cantó en hebreo, árabe, arameo e inglés, entre otras lenguas, como el español.

En 1983, participó en el Festival de Eurovisión, y obtuvo el segundo puesto con la canción Jai, lo que le proporcionó fama internacional. Dos años después publicó internacionalmente su disco Yemenite Songs, basado en los poemas del rabino Shalom Shabazi. En 1988 su canción Im Nin’alu, del mencionado disco, alcanzó un gran éxito en Alemania. Con el álbum Kyria (1992) obtuvo una nominación para los Premios Grammy. Intervino en numerosas bandas sonoras, entre ellas la de la película de animación El príncipe de Egipto, que también cantó en su versión castellana.

En 1992, colaboró haciendo los coros con The Sisters of Mercy en la canción Temple of Love. La colaboración de Ofra Haza, permitió que dicha canción se colocase en primeros puestos de listas de venta. Fue uno de los videos más vistos en MTV en el año 1992.

En 1994, a petición de Isaac Rabin, actuó en la ceremonia de entrega del Premio Nobel de la Paz.

Murió, probablemente de neumonía complicada por VIH (sida), el 23 de febrero de 2000, aunque las circunstancias de su muerte no fueron confirmadas por la familia.

Bueno… Ya se… No se entiende lo que canta!!! pero el tema “Im Nin Alu” pego en el 89 en Venezuela y bastante… Recuerdo bien que mientras en Venevisión promocionaban creo que era el primer disco de ENIGMA, Radio Caracas promocionaba este.

Este disco es mi regalo para JAIROB que hoy esta de cumpleaños!!!.

Al principio un compañero del liceo que fue Italia de vacaciones lo trajo en cassette, todo el salón de clases se volvió loco copiando dicho cassette, con el tiempo llego al país en LP, pero yo lo logre comprar en el 93 en cd’s cuando mi primer viaje a Miami

Bueno, espero lo disfruten… De repente alguien se acuerde de esta cantante tan solo con escuchar la primera canción del disco.

Y nuevamente FELIZ CUMPLEAÑOS JAIROOO!!!!

Información Extraída de: http://es.wikipedia.org/wiki/Ofra_Haza

Y es que “Plomo y Gris” es un alarde de frescura que pareciera estar hecha para marcar diferencias, cualquiera que escuchase esa canción en 1988 habrá pensado que el bueno de Yordano se había vuelto loco, pero no, el tipo sabía muy bien lo que se hacía, sólo que lo estaba haciendo veinte años antes, a modo de anticipo de lo que sería su más reciente grabación, la ya mencionada “El deseo”.
Por tercera vez consecutiva Yordano se arropa con la maestría de la Sección Rítmica de Caracas y bajo la producción de Ezequiel Serrano logra un disco que si bien no es de los más reconocidos de su carrera, es mi preferido.

Hay temas para todos, Rock representado por NINA HAGEN, Dance con Shannon,ó Pop por Madonna, entre otras artistas, estilos y tendencias.

La verdad es que los 80′s para mi fue una de las décadas de mayor creatividad musical, tanto por las nuevas estrellas como por la tecnología que ayudo a crear nuevos ritmos.

Hay temas que se que van a decir ¿pero estos no son hombres? como por ejemplo BOOGIE WONDERLAND que es de Tierra viento y fuego, pero, en este caso los interpretes son el grupo THE EMOTIONS hacen las voces para dicho tema, también esta “Give me back my man” de B52′s entre otros…

Me quede corta con este recopilatorio, después intentare crear una segunda tanda de especiales de los 80′s

Bueno como siempre digo… DISFRUTENLO!!!